Redazione Art-Vibes | On 11, Lug 2025

È possibile sostenere economicamente la propria creatività senza correre il rischio di spegnerla?

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di Redazione Art Vibes

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Picture: image via: Adobe Stock.

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In Italia, secondo l’ISTAT, oltre il 65% dei giovani creativi sotto i 35 anni ha un secondo lavoro non artistico per sopravvivere.

Tuttavia, più della metà di loro ammette di sentirsi schiacciata dal tempo e dalle energie spese altrove. Serve davvero sacrificare la propria visione per pagare l’affitto? O esistono alternative intelligenti, che permettono di sostenere economicamente la propria arte senza spegnerla? Questa è la domanda scomoda, urgente e concreta che affronteremo qui. Con storie vere, dati affidabili e soluzioni possibili.

 

Non tutti i lavori sono nemici dell’arte. Alcuni forniscono ossigeno. Le ore flessibili, l’autonomia nella gestione del tempo e la distanza emotiva dal “core” creativo possono trasformare un lavoro secondario in una vera alleanza.

Lorenzo, trentunenne illustratore di Bologna, racconta: “Dopo anni come cameriere, ho scelto un percorso più sostenibile: una formazione per maestro conducente in Svizzera. Ora insegno guida di giorno e disegno di notte. Non è solo un compromesso, è una rinascita.”

Una scelta simile non è una fuga dalla creatività, ma un investimento in libertà. Il concetto stesso di “lavoro alternativo” va ripensato: non è più il semplice mezzo per arrivare a fine mese, ma un pilastro su cui costruire un equilibrio duraturo. Professioni come assistente museale, insegnante supplente o formatore digitale possono offrire più che uno stipendio: offrono respiro.

 

Fra scaffali di carta e ritmi misurati, le biblioteche pubbliche si rivelano un rifugio prezioso per molti creativi. Non si tratta solo di gestire libri o silenzi, ma di abitare uno spazio mentale che favorisce la riflessione e la concentrazione. Chi lavora come bibliotecario part-time gode spesso di orari regolari, ambienti stabili e accesso quotidiano a fonti d’ispirazione continua.

Una scrittrice racconta di aver trovato nella biblioteca il luogo perfetto per conciliare reddito e creazione. Il suo turno termina nel primo pomeriggio; subito dopo si dedica alla scrittura.

Le ore trascorse a catalogare, ordinare, consigliare letture non la esauriscono, anzi: nutrono la sua immaginazione. Dice che la lentezza imposta dal contesto le ha insegnato a osservare meglio, ad ascoltare, a rallentare anche la narrazione.

 

Molti artisti visivi e performer hanno trovato nella traduzione editoriale o tecnica una strada flessibile, compatibile con la propria arte. Tradurre richiede concentrazione, precisione e attenzione al dettaglio, ma non coinvolge la stessa carica emotiva del processo creativo. Proprio per questo può convivere armoniosamente con esso.

Il tempo si gestisce in autonomia, senza orari rigidi, e il lavoro può essere svolto ovunque ci sia una connessione e silenzio.

Un’artista che lavora con l’installazione e il suono racconta di aver scelto la traduzione tecnica come mezzo per sostenere le proprie ricerche. Ogni mattina si dedica a testi scientifici, e ogni pomeriggio torna ai suoi esperimenti visivi. La separazione dei due mondi, anziché crearle conflitto, le consente di mantenere uno spazio mentale lucido per la creazione. Traduce per vivere, ma anche per restare in contatto costante con la struttura e il peso delle parole.

 

Insegnare arte non significa rinunciare alla propria pratica. Anzi, per molti creativi rappresenta un’occasione concreta per rielaborare tecniche, chiarire concetti e riscoprire il significato più profondo del proprio percorso.

Gli educatori artistici che operano in scuole, associazioni culturali o laboratori indipendenti riescono spesso a trasformare la didattica in un’estensione naturale della loro identità creativa. Fare arte e insegnarla non sono attività in conflitto, ma due modalità complementari dello stesso gesto espressivo.

Un’artista che lavora con materiali naturali racconta come ogni corso con bambini o adulti la spinga a rivedere le basi, a semplificare i gesti e a riconsiderare le intenzioni. Questo processo di ritorno all’essenziale ha avuto un impatto diretto anche sulle sue opere personali, rendendole più consapevoli, più essenziali. In parallelo, l’insegnamento le ha garantito una stabilità economica che ha tolto ansia e dato continuità alla sua produzione.

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